Modern çağı tanımlayan 25 sanat eseri

Üç sanatçı ve birkaç küratör, dönemin önemli eserlerinin bir listesini hazırlamak için bir araya geldi. İşte konuşmaları.

Geçenlerde, Haziran ayında T dergisi iki küratörü ve üç sanatçıyı bir araya getirdi -David Breslin , Whitney Amerikan Sanatı Müzesi'nde Koleksiyon Direktörü; Amerikalı kavramsal sanatçıMartha Rosler ; Kelly Thaxter , Yahudi Müzesi'nde çağdaş sanat küratörü; Tay kavramsal sanatçıRirkrit Tiravanija ; ve Amerikalı sanatçıTori Thornton— New York Times binasında, herkes tarafından, her yerde modern çağı tanımlayan 1970 sonrası 25 sanat eseri olarak düşündükleri şeyleri tartışmak için. Görevin kapsamı kasten genişti: Neye “modern” denebilir? Kişisel anlamı olan bir sanat eseri miydi, yoksa anlamı geniş çapta anlaşıldı mı? Bu etki eleştirmenler tarafından geniş çapta kabul gördü mü? Ya müzeler? Ya diğer sanatçılar? Başlangıçta, katılımcılardan her birinden 10 sanat eserini aday göstermeleri istendi. Buradaki fikir, herkesin toplantıda tartışılacak bir ana liste oluşturmak için her listeyi derecelendirmesiydi.

Sistemin dağılmasına şaşmamalı. Bazıları sanatı takdir etmenin imkansız olduğunu savundu. Sadece 10'u seçmek de imkansızdı. (Aslında Rosler, listesini sonunda tartışmak için getirse de, tüm önermeye itiraz etti.) Yine de, herkesi şaşırtan bir şekilde, önemli bir örtüşme vardı: David'in işi Hammons, Dara Birnbaum, Felix Gonzalez-Torres, Dan Waugh, Kady Noland, Kara Walker, Mike Kelly, Barbara Kruger ve Arthur Jafa defalarca alıntılandı. Belki grup bir tür anlaşmaya tökezledi? Seçimleri, değerlerimizi, önceliklerimizi ve bugün neyin önemli olduğuna dair ortak vizyonumuzu yansıtıyor mu? Sanatçılara değil de sanat eserlerine odaklanmak farklı bir çerçeveye izin veriyor mu?

1. Sturtevant, "Warhol'un Çiçekleri", 1964-71

Warhol Çiçekleri, Sturtevant (1969–70). Kredi © Estate Sturtevant, Galerie Thaddaeus Ropac, Londra, Paris, Salzburg tarafından sağlanmıştır.

Profesyonel olarak soyadıyla tanınan Elaine Sturtevant (d. Lakewood, Ohio, 1924; ö. 2014), Richard Prince'in ilk Marlboro reklamını ve Sherry Levine'i fotoğraflamasından on yıldan fazla bir süre önce, 1964'te diğer sanatçıların çalışmalarını "kopyalamaya" başladı. Edward Weston'ın benzerliğini benimsedi. Hedefleri, tanınmış erkek sanatçılar olma eğilimindeydi (esas olarak, kadınların çalışmaları daha az yaygın olarak tanındığı için). Kariyeri boyunca diğerleri arasında Frank Stella, James Rosenquist ve Roy Lichtenstein'ın tuvallerini taklit etti. Belki de şaşırtıcı olmayan bir şekilde, yazarlık ve özgünlük konusundaki cesur anlayışı göz önüne alındığında, Andy Wart Sturtevant projesini oyladı ve hatta ona Çiçekler ekranlarından birini ödünç verdi. Claes Oldenburg da dahil olmak üzere diğer sanatçılar şaşırmadı ve koleksiyoncular büyük ölçüde parçaları satın almaktan çekindiler. Ancak yavaş yavaş sanat dünyası, onun kanonik eserleri kopyalamasının kavramsal nedenlerini anlamaya başladı: yaratıcılık ve sanatçının yalnız bir deha olduğuna dair büyük modernist mitleri tersine çevirmek. Sturtevant, kitlesel üretim ve özgünlüğün şüpheli doğası üzerine bir yorum olan pop art'a odaklanarak, türü tam mantıksal genişlemesine götürdü. Şakacı ve yıkıcı, parodi ve saygı arasında bir yerde, çabaları aynı zamanda eski ustaları kopyalayan genç sanatçıların asırlık geleneğini de yansıtıyor.

2. Marcel Brodtaers, Modern Sanat Müzesi, Aigle departmanı, 1968-1972

1969'da, bir kültür işçileri koalisyonu olan Gerilla Sanat Eylem Grubu, ailenin silah (kimyasal gaz ve napalm) üretimine dahil olduğuna inanarak Rockefellers'ın Modern Sanat Müzesi yönetim kurulundan istifasını istedi. Vietnam için. Bir yıl sonra, Hans Haacke (ö. Köln, Almanya, 1936) müzenin içindeki kavgayı üstlendi. Orijinal MoMA Anket yerleştirmesi, katılımcılara iki şeffaf oy sandığı, bir oy pusulası ve yaklaşan valilik yarışı sorusunu gündeme getiren bir işaret sundu: "Vali Rockefeller'ın Başkan Nixon'ın Çinhindi'deki politikalarını kınamaması, sizin oy vermemenize neden olacak mı? Kasım'da onun için mi? (Sergi kapandığında, katılımcı sayısı "hayır"dan kabaca iki kat daha fazla "evet" yanıtını vermişti.) MMA çalışmayı sansürlemedi, ancak tüm kurumlar bu kadar hoşgörülü değildi. 1971'de, açılışından sadece üç hafta önce, Guggenheim Müzesi, bir Alman sanatçının üç kışkırtıcı eser çekmeden yaptığı ilk büyük uluslararası kişisel sergi için iptal edildi. Aynı yıl, Köln'deki Wallraf-Richard Müzesi, Édouard Manet'in Nazi sempatizanları tarafından o müzeye bağışlanan bir tablosunun kökenlerini inceleyen Manet Project '74'ü sergilemeyi reddetti.

Teselya La Force: Burada gerçekten müzenin kuruluşuna bakan bir çalışma var. Rirkrit, Marcel Broadtaers'ın çalışmalarını listelediniz.

Rirkrit Tirvanya: Bu, kurumun -en azından benim için- yıkımının başlangıcıdır. Batı sanatında benim için başlangıç, bu tür bir bilgi birikimi sorunudur. Ben de bu listede olan Hans Haacke'yi seviyorum. Kesinlikle listemde ama elimden bırakmadım.

Martha Rosler: Ben onu düşürdüm. Hans izleyicilere bunun sistemin bir parçası olduğunu gösterdi. Kim olduklarına dair fikir ve bilgileri toplayarak bir resim oluşturabildi. Düşünmekle ilgilenen herkes için dönüştürücü ve heyecan verici olacağını düşündüm.kim böyle bir sanat dünyası. Ayrıca, tamamen veri odaklı olduğu ve estetik açıdan hoş olmadığı için. Sanat dünyasının kendisinin şu sorunun ötesinde olmadığı devrimci bir fikirdi: Biz kimiz? İnsanlara, sanat dünyasının sürekli olarak sistematik meseleler olduğunu kabul etmeyi reddettiği şeyler hakkında sistematik olarak düşünmek için çok yer verdi.

4. Philip Guston, İsimsiz (Zavallı Richard), 1971

Richard Nixon 1971'de Philip Guston'un (d. Montreal, 1913; ö. 1980) bir başkanın iktidara gelişini ve yıkıcı bir görev süresini betimleyen yaklaşık 80 karikatürden oluşan şaşırtıcı, anlaşılmaz bir dizi yaratmasıyla yeniden seçildi.Guston'ın ince çizgili çizimlerinde, Nixon'ı fallik burunlu ve testis yanaklarıyla, Key Biscayne'de yelken açarken ve Henry Kissinger'ın da dahil olduğu karikatürize politikacılarla Çin'de dış politika yaparken görüyoruz; Başkanın köpeği Checkers da kamera hücresi yapıyor. Guston, Nixon'ın acısını ve samimiyetsizliğini yakalayarak gücün kötüye kullanılması üzerine dokunaklı bir meditasyon yapıyor. Kalıcı alaka düzeyine rağmen, seri, sanatçının 1980'deki ölümünün ardından 20 yıldan fazla bir süre Guston'un stüdyosunda durdu; nihayet 2001 yılında sergilendi ve yayınlandı. En son çizimler 2017 yılında Londra'daki Hauser & Wirth fuarında gösterildi.

TLF: Büyük soruma geri dönelim: "çağdaş" kelimesiyle ne demek istiyoruz? Buna bir kıyak yapmak isteyen var mı?

RT: Bence Philip Guston'ın Nixon serisi çizimleri tamamen modern hale geldi çünkü -

Thorey Thornton: bir çeşit ayna.

RT: Bugün ne gördüğümüz hakkında konuşmak gibi.

TLF: Aynı soru bende de var. Bazı sanat eserlerinin zaman içinde değişme yeteneği var mı? Bazıları kehribara saplanıp o anın aynası olarak mı kalıyor? Anlattığınız şey, Guston'ın resim ve çizimlerinin anlamını değiştiren güncel bir olaydır.

Kelly Thaxter: Bence kesinlikle olacak.

BAY: Her şey kurumla ilgili. Guston'ın harika oyunundan bahsettiğinde, "Evet, ama aynı şeyin en az iki videosu var" diye düşündüm. Peki ya "TV Gets People" [Richard Serra ve Carlota'nın 1973 tarihli kısa filmi The Schoolboy]? Ayrıca televizyonda Nixon hakkında yayınlanan "Four More Years" (1972 Cumhuriyet Ulusal Kongresi hakkında belgesel) ve "The Eternal Frame" [Ant Çiftliği ve TR Uthco tarafından 1975 JFK suikastının hicivli bir canlandırması] düşünüyorum. , Kennedy hakkında.

TLF: listelerde çok fazla resim yok.

BT: Numara. Vay. İki gün sonraya kadar fark etmemiştim. Çizmeyi seviyorum, sadece burada değil.

TLF: Torey resim değil mi, sen çağdaş bir sanatçı mısın?

TT: bu eski. Bilmiyorum. Ne tür resimlerin ortaya çıktığına bakmaya çalıştım ve sonra kimin başlattığını gördüm.

RT: Guston'u listeme dahil ettim.

David Breslin: Daha uzun listemde Gerhard Richter'in döngüsü Baader-Meinhof vardı [Richter tarafından 1988'de Kızıl Ordu fraksiyonunun, Alman solcu militan grubunun fotoğraflarına dayanarak yaratılan, "18 Ekim 1977" adlı bir dizi resim. 1970'ler bombalamalar, adam kaçırmalar ve cinayetler gerçekleştirdi]. Bu, kültürlerarası eğitimin tarihini anlatıyor. Mesela biri alternatiflerin ne olduğunu barışçıl bir şekilde göstermemeye karar verirse. Pek çok yönden, bunlardan bazıları ancak on yıl sonra yazılabilir veya düşünülebilirdi. Öyleyse, belirli bir ortak eylem anlarını zamanında ve sonra gecikmiş bir anda nasıl düşünebiliriz?

BT: Bütün kadın ressamları düşündüm. Jacqueline Humphreys, Charlene von Hale, Amy Silman, Laura Owens'ı düşündüm. Kadınlar çok zor bir soyutlama görevini üstlenirler ve ona bir anlam katarlar. Bana göre önemli bir manzaranın kadınları ciddi bir bahis yapmışlar. Belki bu insanlardan bir veya ikisi bu listede olmayı hak ediyor ama nedense onları dahil etmedim.

D.B.: Bu, kişiye kıyasla emek faaliyetinin sorunudur.

BT: Ama Charlene'in bir resmini mi seçeceğim? Yapamam. Az önce Washington'daki Hirshhorn Müzesi'ndeki bu gösteriyi ve son 10 yıldaki her resmi gördüm.iyi . Biri diğerinden daha mı iyi? Bu pratik ve soyutlama hakkındaki bu söylem - ve kadınların bununla ne yaptığı - bence kilit nokta.

5. Judy Chicago, Miriam Shapiro ve Feminist Sanat Programı CalArts, "Womanhouse", 1972

Womanhouse sadece bir ay sürdü ve çığır açan sanat projesinin -terkedilmiş bir Hollywood malikanesinde oda boyutunda bir yerleştirme - birkaç somut izi hayatta kaldı. Sanat tarihçisi Paula Harper tarafından tasarlanan ve Judy Chicago (d. Chicago, 1939) ve Miriam Shapiro (ö. Toronto, 1923; ö. 2015) tarafından yönetilen ortak proje, ilk feminist performanslardan bazılarını sahneleyen öğrencileri ve sanatçıları bir araya getirdi. ve tek bir radikal bağlamda resim, zanaat ve heykel yarattı. Akan su veya ısı olmadan uzun saatler çalışan sanatçılar ve öğrenciler, çok sayıda enstalasyonu barındırmak ve altı performansı sergilemek için harap binayı yenilediler. Chicago'nun "Adet Banyosu", ziyaretçileri kana bulanmış gibi görünecek şekilde boyanmış tamponlarla dolup taşan bir çöp sepetine götürdü. Faith Wilding, koza ile yurt arasında bir yerde çimenlerden, dallardan ve yabani otlardan örümcek ağına benzer büyük bir barınak ördü. Genel olarak, eserler kadınların kolektif yaşamlarının tarihi ve bunların aile, toplumsal cinsiyet ve toplumsal cinsiyetle ilişkileriyle ilgilenen kadın sanatçılar için yeni bir paradigma yarattı.

TLF: Bence ilginç olan buradaki her şeyin tamamen sanat olması. Kimse kavisli bir top fırlatmadı.

BT: "Kadın Evi" bir sanat mıdır? Bilmiyorum.

BAY: Bu sanat değilse nedir?

BT: Eh, eskisi gibi. Sanat okulundan çıktı. Geçiciydi. Gelip giden bir yerdi.

BAY: Bir sergi alanıydı. Kolektif bir ortam haline geldi.

BT: Ama sonra hepsi gitti ve yakın zamana kadar çok az belge mevcuttu... Bence bu sanat. Oraya koydum. Elbette kurumsallaşmıştır.

6. Linda Benglis, Artforum reklamı, 1974

Linda Benglis (d. Lake Charles, English Channel, 1941) Artforum'un kendisi için yazdığı 1974 profiline çıplak bir otoportresinin eşlik etmesini istedi. O sırada baş editör olan John Coplans reddetti. Yılmayan Benglis, New York'taki satıcısı Paula Cooper'ı dergiye iki sayfalık bir reklam vermeye ikna etti (Benglis bunun için para ödedi). Okuyucular Artforum'un Kasım sayısını açtı ve bronzlaşmış bir Benglis'in kalçasını kaldırmış, sivri beyaz çerçeveli güneş gözlükleriyle izleyiciye baktığını gördü. Başka hiçbir şey giymiyor ve bacaklarının arasında kocaman bir yapay penis tutuyor. Görüntü bedlam'a neden oldu. Beş editör (Rosalind Krauss, Max Kozlov, Lawrence Alloway, Joseph Mashek ve Annette Michelson) dergiye tüyler ürpertici bir mektup yazarak reklamı "kadınların kurtuluşu] hedeflerine yönelik perişan bir alaycılık" olarak nitelendirdi. Eleştirmen Robert Rosenblum, dergiye, kendilerini avangardın hakemleri olarak gören adamların cesaretini ifşa ettiği için Benglis'i tebrik eden bir mektup yazdı. tadına bakmak için: "Halk Hayatı Komitesi'nin kurucu babalarının oğullarını ve kızlarını sonunda dolaptan çıkaran Bayan Benglis'e üç dildo ve bir Pandora'nın kutusu verelim.sanat forumu ve kadınların görgü kuralları. Reklam, sanat dünyasına nüfuz etmeye devam eden cinsiyetçiliğe ve çifte standarda karşı direnişin ikonik bir görüntüsü haline geldi.

D.B.: Kimsenin Cindy Sherman'ı dahil etmemesine şaşırdım. (1977 ve 1980 yılları arasında, Sherman, "İsimsiz Film Fotoğrafları" adı verilen çeşitli basmakalıp kadın rollerinde poz verdiği bir dizi siyah beyaz fotoğraf çekti.]

BT: Onunla çok zor zamanlar geçirdim. Sevdiğim şeylerden biriydi: “Başkalarının listelerinde olacak. O kadar açık ki, onu atlamayacağım.

TLF: kimse yapmadı.

RT: Linda Benglis'in daha sonra fotoğrafçılıkla ilgili bir Artforum reklamı var.

BAY: Gerçekten iyi olduğunu düşündüm.

BT: Sherry Levin'den After Walker Evans'ı sahnelemek istedim [1981'de Levin, Waler Evans'ın yeniden bastığı Depresyon dönemi fotoğraflarının reprodüksiyonlarını sergiledi, özgünlüğün değerini sorguladı], ama çünkü değil… Neden bilmiyorum, tükendi. 80'lerde oda.

7. Gordon Matta-Clark, Bölme, 1974

Gordon Matta-Clark (d. New York, 1943; ö. 1978) Cornell Üniversitesi'nde mimarlık okudu.1970'lerde sanatçı olarak çalışıyor, boş mülklerden parçalar oyuyor, boşlukları belgeliyor ve ampute edilmiş mimari parçaları sergiliyordu. O zamanlar terk edilmiş binaları bulmak kolaydı - New York ekonomik bunalım ve suç durumundaydı. Matta-Clark, sanat tüccarı Holly Solomon ona New Jersey banliyösünde sahip olduğu ve yıkılması gereken bir evi teklif ettiğinde yeni bir site arıyordu. Splitting (1974), Matta-Clark'ın ilk anıtsal eserlerinden biriydi. Matta-Clark, diğer asistanların yanı sıra zanaatkar Manfred Hecht'in de yardımıyla, elektrikli testereyle her şeyi ikiye böldü, ardından yapının bir tarafını bükerken, alttaki kül bloklarını şevlerken yavaşça aşağı indirdiler. Ev, güneş ışığının odalara girebileceği ince bir merkezi boşluk bırakarak mükemmel bir şekilde bölündü. Parça, yeni dairelere yer açmak için üç ay sonra yıkıldı. Hecht bir keresinde “Gordon ile çalışmak her zaman ilginçti” dedi. "Öldürülmek için her zaman iyi bir şans vardı."

TLF: neden toprak sanatı yok?

RT: U Gordon Matta-Clark'ım var.

BAY: Bu toprak sanatı mı? "Spiral İskele" [Amerikalı heykeltıraş Robert Smithson tarafından Utah, Roselle Point'te 1970 yılında inşa edilmiş dev bir çamur, tuz ve bazalt spirali] toprak sanatıdır.

TT: Bu delilik! Rıhtım yüzde 100 listemde olmalı.

KT: "Field of Lightning" [Amerikalı heykeltıraş Walter de Maria'nın 1977'de yaptığı ve New Mexico çölüne yerleştirilmiş 400 paslanmaz çelik direk de dahil olmak üzere eseri], "Roden Crater" [Amerikalı çıplak sanatçı James Turrell tarafından, hala Kuzey'de bir göz gözlemevi geliştirme aşamasında. Arizona.

TT: Düşündüm ki, “Bunu kim görebilir? "Etkilemek" ne demek, "Ekranda bir şey görmek için etkilemek" ne demek? "Gördüklerimi ve takıntılı olduğum şeyleri sıralayabilir miyim?" diye düşündüm. reprodüksiyon veya bir tür tiyatro performansı.

BAY: Kesinlikle.

TT: Santa Monica Müzesi'nde Michael Asher'ın bir sergisini açtım [No. 19, aşağıya bakın], ancak bunun gibi bir şeyle - bir kez gittiğinde,bir teküreme. Onu ziyaret edemezsiniz, başka bir yere hareket etmez.

TLF: bunlar yeryüzünün sanatçılarının sorduğu sorular - bugün sorduğumuz sorular artık onlar değil mi?

TT: artık arazi yok.

BAY: Bu gerçekten ilginç bir soru. Esas olarak şehirlere taşındığımız için şehir geleneklerine takıntılı hale geldik. Şehirler için de geçerli olan çobanlık meselesi, hakkında pek bir şey bilmesek de geri çekildi. Ama kara sanatının Avrupa'da da olduğu konusunda yanılıyor muyum? Hollandalı sanatçılar ve İngiliz sanatçılar vardı.

RT: Evet onlar vardı. Hala orada.

BAY: Kara sanatı ilginç bir şekilde uluslararasıydı ve bu, Mavi Mermer'le [Dünya'nın 1972 Apollo Dünya ekibi tarafından çekilmiş bir resmi] ile çakıştı.

TLF:Tüm Dünya Kataloğu .

BAY: Kesinlikle. Tüm dünyanın, sosyal alandan değil, gerçek şeylerden oluşan bir varlık olarak fikri.

RT: Belki de bu mülkiyet ve zenginlik fikriyle de ilgilidir. Arazinin değeri ve ne amaçla kullanıldığı değişti. Önceden, Montana'ya gidebilirdin ve muhtemelen -

BAY: Biraz Cadillac gömün.

RT: - Büyük bir delik kazın. Demek istediğim, Michael Heizer hala bir şeyler yapıyor, ama şimdi sadece iç kısım. Sadece uzayda büyük kayalar yapar. Öte yandan, Smithson'ın ilginç olmasının nedeni de bu, çünkü şimdi neredeyse no-site gibi [Smithson, New Jersey'deki bir taş ocağından çıkan taşlar gibi orijinal bağlamlarının dışında sunulan işleri tanımlamak için "no-site" terimini kullandı. , bir galeride fotoğrafları veya nereden geldiklerine dair site haritaları ile birlikte görüntülenir].

TLF: O zaman neden Gordon Matta-Clark'ı dahil ettiniz?

RT: Benim için çok referans var ama “Ayrılık”ın düşündüğüm her şeyi etkilediğini hissediyorum. Separation ile komik bir son gibi. Ayrıca, ev fikri bölünmüştür ve hane halkı ile olan şey, insanların artık Şükran Günü'nde birlikte oturamayacak olmalarıdır.

8. Jenny Holzer, Gerçekler, 1977-79

Jenny Holzer (d. Gallipolis, Ohio, 1950) 250'den fazla esrarengiz ilkeyi, kısa komutları ve anlayışlı gözlemlerini "Gerçekçilik"lerini derlemeye başladığında 25 yaşındaydı. Dünya edebiyatından ve felsefesinden alınan tek noktalı önermelerin bazıları önermedir ("Her aşırılık ahlaksızlıktır"), diğerleri kasvetlidir ("Belirli bir yaşta ideallerin yerini sıradan hedefler alır"), bazıları ise yarım ifadelerle tekrarlanır. pişmiş klişeler. fal kurabiyelerinde bulunur ("Büyük bir tutkunuz olmalı"). En çok yankılananlar siyasi olanlardır, "Gücün kötüye kullanılması şaşırtıcı değildir"den başka bir şey değildir. Onları Midtown Manhattan'daki gerçek reklamlar arasına yapıştırdığı posterler olarak bastıktan sonra, Holzer bunları beyzbol şapkaları ve tişörtler gibi nesneler üzerine yeniden üretti. gömlekler ve prezervatifler. Bunları 1982'de Times Meydanı'ndaki devasa bir Spectacolor LED panosuna yansıttı. kentsel ortamlarda sürekli olarak bilgi beslediğimiz (ve bize ne düşüneceğimizi söylediğimiz) dijital saatleri ve ekranları çağrıştırmak için daha küçük kaydırma işaretleri ile. Holzer, bugün de Truisms'i elektronik tabelalara, banklara, ayaklıklara ve tişörtlere dahil ederek kullanmaya devam ediyor.

DB: Teselya, daha önce Trump'ın odada olup olmadığını sorduğunda Jenny Holzer'ı görmeye bu yüzden gittim. Orijinal yinelemelerinde, "gerçekler" insanların astığı sokak afişleriydi.

BAY: Ama sanat dünyasında asla bir şey olmadılar.

D.B.: Kabul ediyorum. Whitney'in bağımsız araştırma programından çekildiler. Ama bence işin çok farklı bir rezonansa girdiği yer burası. Asıl amaç, bu kodların serbest dolaşımda olması ve tabii ki bilinçsiz olmasıydı. Ama şimdi, birinin sürekli olarak bu gerçekleri topladığı, bunun bir bilinçsizlik listesi olmadığı fikrinin bu çalışmada gerçekten canlı olduğunu düşünüyorum.

BAY: Bu ilginç bir hipotez. Barbara Krueger'ı seçmemin nedeni[No. 11, aşağıya bakın], onun yerine bu tür punk sokak posteriyle moda dünyası tipografisinin ilginç bir çatışmasını yaptığını düşündüm. Aslında insanların akıllıca söylediklerini ama sanat dünyasında asla söylemediklerini söylüyor: "Gözlerin yüzüme düşüyor." Veya her türlü feminist şey: "Diğer erkeklerin tenine dokunmanıza izin veren karmaşık ritüeller yaratıyorsunuz." Kim böyle şeyler söylüyor? Kapitalizmin duymak istemediği şeyler için ödüllendirilmesini kim bekler? Barbara lüks galeriye katıldığında, pazar tüm bu uyumsuz şeyleri yeniden ele geçirdiğinden, ne yapacaklarını bilemedikleri bir strateji değişikliği oldu. Sonunda piyasa bunu anladı. Bırakın sanatçı yapsın, biz de bunun sanat olduğunu söyleyelim, sorun değil.

David Hammons (d. Springfield, Illinois, 1943) Los Angeles'ta Otis Sanat Enstitüsü'nde (şimdi Otis Sanat ve Tasarım Koleji) Afro-Amerikan yaşamını tasvirleriyle övülen bir sanatçı olan Charles White'dan sanat eğitimi aldı. Hammons, beyaz bir sosyal adalet duygusunu özümsedi, ancak radikal, alışılmışın dışında malzeme için çabaladı.Başlarda, sanatın kurumsallaşmasına meydan okumaya çalıştı, genellikle "Bliz-aard Ball Sale" gibi geçici yerleştirmeler yarattı; burada New York sokak satıcıları ve evsizlerle birlikte çeşitli boyutlarda kartopu sattı ve gösterişçi tüketimi ve boş kavramları eleştirmek için yaptı. değer. (Oyunun ahlakı, sanat dünyasına katılımını bilgilendirmeye devam ediyor; özel galeri temsili olmadan çalışıyor ve nadiren röportaj veriyor.) 1988'de, iki kez yarışan bir Afrikalı-Amerikalı sivil haklar aktivisti olan Rev. Jesse Jackson'ı yazdı. Demokratik başkanlık adaylığı. sarışın, mavi gözlü beyaz bir adam şeklindeki parti. Ertesi yıl Washington DC şehir merkezinde işler devam ederken yoldan geçen bir grup Afrikalı-Amerikalı erkek, tabloyu şöyle algıladı: ırkçı ve balyozla ezdi. (Jackson, sanatçının niyetini anladı.) Yıkım - ve temsil ettiği kolektif acı - parçanın bir parçası oldu. Şimdi, Hammons bir tablo sergilediğinde, etrafına balyozlardan oluşan yarım bir daire çiziyor.

KT: "Bliz-aard Ball Sale" fotoğraflı bir performans. Bu, Judson Dans Tiyatrosu [diğerlerinin yanı sıra Robert Dunn, Yvonne Reiner ve Trisha Brown'ın da yer aldığı 1960'larda bir dans topluluğu) ve Happenings (sanatçı Allan Kaprow tarafından gevşek bir şekilde tanımlamak için kullanılan bir terim) ile başlayan performatif geçici eserlerin mirasının bir parçasıdır. 1960'ların genellikle izleyicileri cezbeden tanımlı eserler veya performans olayları. Bir dereceye kadar konuyla ilgili kalmasının nedeni, çalışmalarının çoğunun bir tür gizli olmasıdır - stüdyosu sokaktır. Son bir cevap vermeden çok uzun süre ne yaptığı hakkında konuşabilirsiniz. Düz bir çizgi izlemez ve tutarsız olabilir - beklentilere meydan okur.

D.B.: İşin önemli bir kısmı, maddi olarak veya yapıldığı veya yürütüldüğü yerden muhalefet yerinden başlar. "Şimdi beni nasıl seviyorsun?" seçeneğini seçtim. Çoğunlukla işi yanlış anlama yeteneği nedeniyle. Bir anlamda, tehlike noktası burasıdır. Bir grup insanın ona balyoz alması gerçeği - neden bazı insanlar Jackson'ı aday olarak ciddiye almadı? Beklenen ve beklenmeyen arasındaki sınırların bulanık olması, Hammons'ı her zaman alakalı kılıyor.

BAY:Bence iş gerçekten sorunlu. Bu, neden sanat dünyası hakkında konuştuğumuzu belirler. Bu çalışma rahatsız ediciydi ve yine de onun bariz sunumuna karşı bir şeyi nasıl okuyacağımızı anlıyoruz. Eğitimli insanlar olarak hakkımızda çok şey söylüyor ve onu savunmamızın nedenlerinden biri de bu. Hammons'ın çalışmalarını seviyorum. Ama bu konuda her zaman kendimi çok garip hissettim çünkü topluluğun rahatsız olabileceğini hesaba katmadı. Ya da umursamıyor. Hangi, bilirsin, o bir sanatçı. Yani sanat dünyası bu iş hakkında sanat dünyasıyla konuşuyor. Ama aynı zamanda, halkın genel olarak kamusal sanata ve özel olarak da genellikle soyut anlamına gelen gizemli kamusal sanata karşı döndüğü bir sıradaki sorunlu görünümüne de şaşırdım. Ama daha da kötüsü - sadece seyirciye gülmek değil, gülmek içindi.beton Halk, onun niyeti olmasa bile.

Barbara Krueger (d. Newark, 1945) 1965'te kısaca Parsons Tasarım Okulu'na katıldı, ancak asıl eğitimi dergi dünyasındaydı. Sanat yönetmen yardımcısı olarak erkenden Mademoiselle için çalışmayı bıraktı, hızla baş tasarımcı oldu ve ardından House & Garden için serbest tasarım düzenlerine geçti., Vogue ve Aperture, diğer yayınların yanı sıra. Bu projeler sayesinde Kruger, izleyicinin dikkatini nasıl çekeceğini ve arzuyu nasıl manipüle edeceğini öğrendi. Roland Barthes'ın ve medya, kültür ve imgelemenin gücüne odaklanan diğer teorisyenlerin yakın bir okuyucusu olan Krueger, 1980'lerin başında profesyonel yaşamını ve felsefi görüşlerini dönüm noktası niteliğindeki çalışmasıyla birleştirdi: beyaz veya siyah Futura'da kısa, hicivli sloganların agitprop tasvirleri . Çoğunlukla eski dergilerden alınan kırpılmış görüntülerde kalın eğik çizgi. Toplumsal cinsiyet rollerine ve cinselliğe, kurumsal açgözlülüğe ve dine karşı çıkıyorlar. 1985'teki "İsimsiz" ("kültür" kelimesini duyduğumda çek defterimi çıkarırım") dahil olmak üzere en ünlü tüketici suçlamalarından bazıları, kelimelerin bir vantrilok kuklasının yüzüne çarptığı ve "İsimsiz (Bu nedenle alışveriş yapıyorum). I)" 1987'den beri.

12. Nan Goldin, Seks Bağımlılığının Şarkısı, 1985–86.

Nan Goldin (d. Washington, D.C., 1953) 1979'da New York'a taşındığında, bir Bowery çatı katı kiraladı ve yüzyılın en etkili fotoğraf serilerinden biri olacak olan şeye başladı. Konuları o, aşıkları ve arkadaşlarıydı - travestiler, uyuşturucu bağımlıları, kaçaklar ve sanatçılar. "The Ballad of Sex Addiction" da dahil olmak üzere yüzlerce müstehcen görüntüde onları kavga ederken, makyaj yaparken, seks yaparken, makyaj yaparken, fotoğraf çekerken ve başlarını sallarken görüyoruz. Goldin, kısmen zorunluluktan (baskı için bir karanlık odası yoktu, ancak bir eczanede slaytları işleyebilirdi), kısmen bu yerlerin fotoğraf dünyasının bir parçası olduğu için, fotoğrafları ilk önce şehir merkezindeki kulüplerde ve barlarda slayt gösterileri olarak paylaştı. Keith Haring, Andy Warhol ve John Water dahil olmak üzere kült kahramanlar ve mahalle yıldızları bazı çekimlerde görünüyor, ancak odak noktası Goldin'in bir gece neredeyse kör olan ateşli erkek arkadaşı Brian da dahil olmak üzere sevdikleri: "Dövüldükten bir ay sonra Nan" (1984) en müdahaleci biridir. serideki portreler. Goldin, diziyi birkaç kez düzenledi ve yeniden yapılandırdı, sonunda Bertolt Brecht'in Trihedral Opera'sındaki bir şarkının adını verdi ve James Brown, The Velvet Underground, Diona Warwick, opera, rock ve blues'u içeren bir çalma listesine yerleştirdi. Bir versiyonu 1985 Whitney Bienali'nde yayınlandı ve Aperture Foundation, 1986'da Goldin'in çok dürüst yazılarından bazılarını içeren 127 görselden oluşan bir seçkiyi kitap halinde yayınladı. On yıl sonra, kitapta tasvir edilen insanların çoğu AIDS veya aşırı dozda uyuşturucudan öldü. New York Modern Sanat Müzesi'ndeki yakın tarihli bir sergide Goldin, bu kaybı ima eden yaklaşık 700 fotoğraftan oluşan bir diziyi tamamladı - seks yapan iki grafiti iskeletinin bir fotoğrafı.

KT:Nan Goldin, sanatın kendisi, yaptığı şey ya da sanat kültürü ve ötesinde karşılaştığımız sorunlar olsun, söylemde çok önemli bir rol oynamaya devam ediyor. Bu eserler bütün bir alanı, bütün bir sosyal yapıyı, birçok yönden görünmez olan bütün bir insan grubunu görünür kıldı. AIDS krizinden bahsediyordu. Garip bir kültürden bahsediyordu. İstismarından bahsetti. Bu bir itiraf gibiydi, hâlâ güncel olan şeyleri ortaya koyuyordu.

BAY: İçinde "seksi" kelimesi var. Bundan biraz bahsetmek ister misin?

BT: Onun seks ve aşkla olan ilişkisiyle, arkadaşlarının seks ve aşkla olan ilişkisiyle ve bunu çözmesiyle çok ilgisi var. Çok fazla kir ve bozulma var ve yine de çok fazla kutlama var, bence: neyin kirli veya yanlış olarak kabul edilebileceğini görme fırsatı. Bunu çocukken gördüm. Baskıları süper muhteşem, ancak bazen sadece işin özgürlüğünün, onunla birlikte götürdüğü özgürlüğün anlık görüntüleri.

13. Cady Noland, Oozewald, 1989; "Büyük slayt", 1989

Cady Noland'ın (d. Washington, DC, 1956) eseri Amerikan kültürünün karanlık köşelerini araştırıyor.Big Slide (1989) da dahil olmak üzere enstalasyonlarının çoğu, bu ülkedeki erişim, fırsat ve özgürlük üzerindeki kısıtlamalara atıfta bulunan parmaklıklar veya bariyerler içeriyor. (Noland'ın 1988'de New York'taki White Column Gallery'deki ilk sergisine girmek için ziyaretçilerin bir kapıyı engelleyen metal bir direğin altına dalmaları gerekiyordu.) "Usewald", Başkan John F. Kennedy'nin suikastçısı Lee Harvey Oswald'ın ünlü fotoğrafının ipek bir versiyonunu içeriyor. çünkü gece kulübü sahibi Jack Ruby tarafından vuruldu. Sekiz büyük kurşun deliği yüzeyi deliyor - bunlardan birinde, ağzının olacağı yerde bir Amerikan bayrağı var. Noland, 2000'li yıllarda sanat dünyasından kayboldu, bu, eseri kadar eserinin ayrılmaz bir parçası haline geldi. Galerilerin ve müzelerin eski eserleri sergilemesini engelleyemese de, serginin duvarlarında genellikle sanatçının rızasının bulunmadığını belirten feragatnameler görünüyor. Eski günlerde, Noland bazı parçaları tamamen reddetti ve piyasayı tedirgin etti. Sanat dünyasında öcü olarak tanındı ama vicdanı olabilir.

TT: y Yıllar sonra, sanatçı hakkında çok düşünürken, diğer sanatçıları nasıl etkilediklerini görmeye başladığımda başıma geldi. Cady Noland'ın çok garip olduğunu fark ettim.her yerde . Özellikle enstalasyon sanatı ve heykel alanında. Son zamanlarda, gerçekten onun yaptıklarının üzerine inşa edilmiş gibi görünen pek çok iş gördüm. Bazen bir şey belli bir zamanda yapılır ve sonra geri gelir ve tekrar alakalı olur. Çalışmalarında Americana'nın her şeyi kapsayan bir eleştirisi veya analizi var. Adı geri döndü ve etrafta ve çevresinde.

BAY: Sanat dünyası hep böyle işlemez mi? Herkes Warhol'dan nefret ederdi. Hattasonrasında Gitmek,nasıl ünlü oldu, sanat dünyası "hayır" dedi. Bu yüzden minimalizme sahibiz.

BT: Bence Cady de direnişin yerini alıyor. Bence Cady'nin karakteri - ve stoacı karakteri ve işine yaklaşımı - pratiğinin mit yaratmasının bir parçası. O, Hammons'ın anlaşılması zor figürüdür. İş hakkında konuşmuyor.Her şey geri kalanlar.

D.B.: Çalışmanın çoğu, çok fazla "şu anda" görünen komplo ve paranoya hakkında. Oswald figürünü veya yaptığı Clinton ve Whitewater vakasını vurmak gibi bu ani büyüyü tetikleyen şeyler, figürün hızlı bir görüntüsü ve bir gazete makalesinden bir satır. Amerikan kültüründeki bu paranoyak eğilimi elde etmek için bilgiyi tasnif etme yeteneğidir. Senin görüşüne göre Kelly, o ortaya çıktığında, davalar yüzündendi.

BAY: Yok canım?

D.B.: Evet, insanları kendisine nasıl davrandıkları için dava ediyor. Bu benim açımdan tamamen bir spekülasyon, ama düşünseniz bileBugün nasılsın bir iletişim biçimi olarak - eğer kamuda işleyecekse, hukuk sisteminden geçecek - görüyorsunuz, şimdi bile planlıyorum!

BT: sen paranoyaksın!

D.B.: Bence hepimiziz.

Jeff Koons (d. York, Pennsylvania, 1955) 1980'lerin ortalarında elektrikli süpürgeler ve basketbol toplarından konsept heykeller yaratarak öne çıktı. Whitney Amerikan Sanatı Müzesi onu "Resim Dünyası" adlı bir sergi için reklam panosu boyutunda bir parça yaratmaya davet ettiğinde, postmodern provokatör kendisinin ve daha sonra evleneceği Macar İtalyan porno yıldızı Ilona Staller'ın patlamış grenli kanvas baskılı bir fotoğrafını sundu. kamplı bir ilişkide ecstasy, toplu film reklamı. Bir takip dizisi olan Made in Heaven, 1990'da Venedik Bienali'nde ilk kez sahneye çıktığında izleyicileri şok etti. "Ilona'nın Poposu" ve "Dirty Ejaculation" gibi açıklayıcı başlıklarla, fotogerçekçi resimler çifti akla gelebilecek her pozisyonda tasvir etti. Ülkenin sanat mülkiyeti konusunda bölündüğü, dini ve muhafazakar güçlerin müstehcen eserlere karşı birleştiği bir zamanda geldiler. Koons, bunun bir özgürlüğün keşfi, utancın kökenlerinin araştırılması, yeniden üretim eyleminin bir kutlaması, hatta bir aşkınlık vizyonu olduğunu savundu. 1990'da "Pornografiyle ilgilenmiyorum" dedi. "Maneviyatla ilgileniyorum." Koons, oğulları Ludwig için Staller ile uzun süren bir velayet mücadelesi sırasında dizinin bir kısmını yok etti.

TLF: Para aynı zamanda sanat dünyasını da tanımlar. Bunu yansıtan sanatçılar var ama isimlerini kimse vermemiş.

KT: Hepimizin bunun için gitmemiş olmamızın çok ilginç olduğunu düşündüm. Birçok farklı sanat dünyası var. Bahsettiğiniz kişi onlardan biri.

BAY: Listede daha fazla ticari sanatçı yapmamak için argümanınız nedir?

BT: Bana göre, çünkü sanat bundan çok daha fazlasıdır. Bu seviyedeki sanatçılar, yaratılan sanatın çok küçük bir yüzdesini oluşturuyor. Bu işe geri dönerek büyümedim.

TT: Sanırım şu anda bilinçaltında ya da sessizce, "Ah, bu tür bir stüdyo yapmakla gerçekten ilgileniyorum, ama aynı zamanda daha titiz ve pratik olmak istiyorum" demek arasında bir yol bulmaya çalışan birçok genç sanatçı olduğunu düşünüyorum. benim uygulamam." Ya da belki gizlice Jeff Koons'a takıntılılar ama bu, New York Times röportajında ​​asla söyleyecekleri bir şey değil. İsim vermeyeceğim ama "Bu gerçek" diyecek kadar çok şey duydum.

BAY: Bahsettiğiniz bir veya iki sanatçı ismi verebilir misiniz?

TLF: isimler isimler.

TT: Damien Hirst bir örnek mi?

TLF: Damien Hirst, Takashi Murakami...

BT: Evet, Jeff Koons'ta anlaştık. Damien Hirst'e yerleştik.

BAY: Biz yaptık.

TT: Jeff'i getirdim.

BT: Bence onlar mevcut. Konuşmanın başka sanatçılar hakkında olmasını istiyorum. Damien'ı koyabilirim.

BAY: Bence Jeff Koons'tan daha meşru bir sanatçı. Ama bu sadece benim, üzgünüm.

TLF: Yapabilseydik kiminle konuşmak isterdin?

KT: Jeff Koons olsaydı, "Equilibrium"u [damıtılmış su tanklarında asılı duran basketbol toplarını içeren 1980'lerin ortasındaki bir dizi eser] seçerdim. Damien Hirst olsaydı, "Yaşayan Birinin Zihninde Ölümün Fiziksel İmkansızlığı" [bir vitrinde formaldehit içinde tutulan bir kaplan köpekbalığından oluşan 1991 parçası] yazardım. Bence bu listedeki sanatçıları etkileyen gerçekten iyi bir şey, tıpkı "Equilibrium" gibi. Belki de listede olmalılar. Belki de samimiyetsiziz. Buna tamamen katılıyorum. Onlar benim uzun listemde. Sadece onları çıkardım. Dürüst olmak gerekirse, başka insanlar ve başka kadınlar hakkında konuşmak istedim.

TT: Seni duyabiliyorum. Buna katılıyorum.

15. Mike Kelly, Arenas, 1990

Bir genç olarak Detroit müzik sahnesinde çalmaya başladıktan sonra Mike Kelly (d. Wayne, Michigan, 1954; ö. 2012) CalArts'a katılmak için Los Angeles'a taşındı. İlk olarak 1990 yılında Metro Pictures Gallery'de sergilenen 11 Arena'nın her birinde, doldurulmuş hayvanlar ve diğer oyuncaklar tek başına veya ürkütücü gruplar halinde kirli battaniyelerin üzerinde oturuyor. Birinde, açık bir eş anlamlılar sözlüğünün önüne örülmüş bir Afgan üzerine ponpon kuyruğu kırık el yapımı bir tavşan yerleştirilir, görünüşe göre girişi "isteyerek" uzaktan iki kutu Reid tehdit ederken inceliyor. Bir diğerinde, siyah-turuncu bir örtünün altında uğursuz bir tomarın üzerinde doldurulmuş bir leopar yatıyor. Eserler sapıklık, utanç, korku, kırılganlık ve acıma temalarını birleştirir. Kelly oyuncakları kullandı çünkü yetişkinlerin çocukları nasıl gördüğü veya onları nasıl görmek istediği hakkında çocuklardan çok daha fazlasını anlattıklarını hissetti. "Korkuluk sahte bir çocuktur," "yetişkin bir çocuğun ideal modeli olan baştan çıkarılmış cinsiyetsiz bir yaratık - hadım edilmiş bir evcil hayvan" diye yazmıştı bir keresinde. Ama Kelly'nin aranjmanlarındaki oyuncaklar soluk, kirli, kirli ve yıpranmış.

KT: Bence Mike Kelly'nin çalışmalarının çoğu, sınıflar, şiddet ve çocukların, en azından gençken, hakkında konuşmaya ve düşünmeye başladıkları diğer şeyler hakkında. Bu dizi eserler çok iğrençti. Kişisel olarak benim için kilit öneme sahip olan vahiy katmanları var ve yaşlandıkça daha büyük bir etkisi olduğunu fark ettim. Ve bugün bazı genç sanatçıların çalışmalarında görüyorum.

Felix Gonzalez-Torres (d. Küba, 1957; ö. 1996) 1979'da New York'a geldi. 1991'de İsimsiz'i (Los Angeles'ta Ross'un Portresi) yarattığında, sevgilisi Ross Laycock'un yasını tutuyordu. O yıl AIDS'e bağlı bir hastalıktan ölen. Kurulum ideal olarak, sağlıklı bir yetişkin erkeğin vücut ağırlığına yaklaşık bir değer olan parlak selofan içine sarılmış 175 pound şeker içerir. İzleyiciler yığından parçalar almakta özgürdür ve sergi boyunca iş, Laycock'un vücudu gibi bozulur. Bununla birlikte, şekerler personel tarafından düzenli olarak doldurulabilir veya doldurulmayabilir, bu da ölüme neden olurken aynı zamanda sonsuzluğa ve yeniden doğuşa neden olur.

D.B.: İş bugün bulunduğumuz yere dokunuyor, katılım ve deneyimin bir temsili. Gonzalez-Torres sorumluluktan da bahsediyor, bu üstlenmeyle birlikte sorumluluk geliyor. Bir kişinin ideal vücut ağırlığı olarak anılması, katılım unsurunun sadece genel bir kitle olmadığı, göndergenin sadece başka bir kişi olduğu fikri, bence çok derin.

RT: AIDS'i düşündüm. Act Up logosunu neredeyse bir eser olarak koyuyordum. Tüm bu diğer koşullara değinerek, sanattan daha fazlası olan sanat eserlerinden bahsetmek zorundayız. Bu anlamda çok güzel buluyorum.

BT: Bu eser mecazi anlamda bir virüstür. Dağılır ve diğer insanların bedenlerine girer.

RT: Seyirci gerçekten anlıyor mu onu bile bilmiyorum. Bu bir şey. Sadece şeker alırlar.

TLF: Tabii ki, sadece tatlı aldığımı düşündüm.

D.B.: İkmal fikri de var. Ertesi gün döner. Geri alma yükümlülüğü, alma yükümlülüğünden çok farklıdır. Kişi hayatta kalır. Tesis doluyor. Bir gün çekip gidebilir ve kendi formuna döndüğünü bilemeyebilirsiniz. Bu kimin bildiği ve kimin bilmediği fikri, onun için önemli olduğunu düşünüyorum.

Otoportre/Kesme fotoğrafında, Katherine Opie (d. Sandusky, Ohio, 1961) izleyiciden uzağa bakıyor ve çıplak sırtıyla bir ev -bir çocuğun çizebileceği bir manzara- ve iki sopayla karşımıza çıkıyor. eteklerdeki figürler oyulmuştur. Rakamlar el ele tutuşarak, o zamanlar sadece lezbiyen çiftler için bir rüya olan pastoral bir ev rüyasını tamamlıyor. Bu eser ve diğerleri, sanatta "müstehcenlik" üzerine ulusal ateş fırtınasına yanıt verdi. 1989'da Senatörler Alphonse d'Amato ve Jesse Helms, National Endowment for the Arts'tan fon alan gezici bir serginin parçası olan Andrés Serrano'nun idrarına batırılmış bir haç fotoğrafı olan "The Pissing Christ"ı kınadılar. Birkaç hafta sonra, Washington DC'deki Corcoran Sanat Galerisi, Pennsylvania Üniversitesi Çağdaş Sanat Enstitüsü'ndeki sergisi de federal fon alan Robert Mapplethorpe'un homoerotik ve sadomazoşist fotoğraflarından oluşan bir gösteriyi iptal etmeye karar verdi. 1990'da, dört sanatçının açık cinsellik, travma veya boyun eğme temaları nedeniyle NEA tarafından finansmanı reddedildi. (1998'de Yüksek Mahkeme, NEA'nın tüzüğünün geçerli olduğuna ve sanatçılara karşı ayrımcılık yapmadığına veya onların ifadelerini bastırmadığına karar verdi.) Opie, yaptığı gibi bu eserleri yaratarak ve sergileyerek, gezgini utandırmak isteyenlere açıkça meydan okudu. topluluklar ve sanattaki görünürlüklerini sansürler. Times sanat eleştirmeni Holland Kotter, Guggenheim'ın kariyerine ilişkin 2008 Opie retrospektifi vesilesiyle "O hem içeriden hem de dışarıdan biri" diye yazıyor. “Opie bir belgeselci ve provokatör; klasikçi ve bireyci; yürüyüşçü ve ev sahibi; ana akım gey hareketine direnen lezbiyen feminist bir anne; Amerikalı - Doğum Yeri: Sandusky, Ohio - ülkesi ve kültürüyle ciddi anlaşmazlıkları var."

D.B.: Bu yakınlık meselesi - vücudumla ne yapacağımı ve nasıl bir aile kurmayı seçtiğimi kim kontrol etmeye çalışıyor - bu çalışmaların bazılarının şimdi kulağa nasıl geldiğini düşünürsek, tüm bu meseleler birleşiyor. Bunlar hala acilen uğraştığımız şeyler. Annelik yapmak ve çocuk yetiştirmek derinden işin içindedir. Goldin'in işinde de inanılmaz olduğunu düşündüğüm, kendini bu şekilde kendi kamerasına sunma kırılganlığı, benim dünyam kim ve kimin bir parçası olmak istiyorum sorusudur.

BAY.: Her iki durumda da,ben ve onlar hakkında ve kadınların getirdiği çok büyük bir şey. AIDS krizi sırasında hakkımda çok yazı yazıldı ama Cathy ve Nan gerçekten büyük bir fark yarattı.

KT: Ayrıca, Nan ile bu topluluk fikri bir işbirliği anlamındadır. Fotoğrafınızı çeken bir fotoğrafçının aksine, bir fotoğraf çekersiniz.İle kendin.

Lutz Bacher (d. Amerika Birleşik Devletleri, 1943; d. 2019), biyografilerin ve çevrimiçi profillerin kolayca aranabilir olduğu bir çağda bir anormalliktir. Sanatçı, orijinal adını gizleyen bir takma ad kullandı. Yüzünün birkaç fotoğrafı var. Belki de bu yüzden Bacher'in çalışmalarının çoğunun teşhir, görünürlük ve mahremiyet konularına odaklanması şaşırtıcı değil. Kendisini temsil eden ünlü sanat tüccarı Peer Hearn'e 22 Ocak 1997'de karaciğer kanseri teşhisi konulduktan sonra Bacher, Hearn'ün masasına bir kamera yerleştirdi ve 10 ay boyunca kesintisiz film çekti. Hearn'ün sanatçılarla nasıl oturduğunu, aradığını, buluştuğunu görüyoruz; Hearn, hastalığı kötüleştikçe çerçevede daha az görünür. Bacher, krupiyenin 2000 yılındaki ölümünden sonra 1.200 saatlik videoyu 40 dakikalık video görüntüsüne dönüştürerek galerinin iç işleyişine alışılmadık bir pencere açtı.

TLF: İlgilendiğim şey şu: Cady Noland, Lutz Bacher ve Sturtevant - zor bir kelime, anonim başka bir kelime. İnsanlar. Bu kadar çok ünlünün olduğu bir zamanda rezonansa girmeleri ilginç.

BT: Lutz'un asla zor olduğunu düşünmüyorum.

BAY: Ben de öyle düşünmüyorum.

TLF: Asla gerçekten isimlendirilmedi.

BAY: Takma ad.

BT: Bir adı vardı. Lutz'du.

TT: Ama onun internette yüz kişiye karşı sadece iki resmi var. İşin düzgün çalışması için bu kadar mevcut olma baskısı sık sık duyduğum bir şey.

BAY: Jackson Pollock Life dergisine çıkınca bakın ne oldu. Soyut Dışavurumcular kesinlikle markalaşmak istemediler. Daha yakın zamanlarda, küratörler "Fotoğrafınızı etiketinizle birlikte koyun" gibi çılgınca şeyler sormaya başladı. Hayır teşekkürler. Times muhabirlerinin biyografilerinde artık küçük fotoğraflar bile var - hepsi kişiselleştirilmiş çünkü işin kendi başına ayakta durduğunu hatırlamıyoruz.

19. Michael Asher, "Michael Asher", Santa Monica Sanat Müzesi, 2008

Michael Asher (d. Los Angeles, 1943; ö. 2012) kariyerini, sitenin mimari veya soyut niteliklerini aydınlatan mekana özel çalışmalarla her galeri veya müze mekanına yanıt vererek geçirdi. Santa Monica Sanat Müzesi (şimdi Los Angeles Çağdaş Sanatlar Enstitüsü) 2001 yılında bir sergi düzenlemek için kavramsal bir sanatçıyla temasa geçtiğinde, o kurumun tarihine daldı ve tüm geçici duvarların ahşap veya metal çerçevelerini yeniden yarattı. 38 önceki sergi için inşa edilmişti.Sonuç, zamanı ve mekanı etkili bir şekilde yok eden ve müze tarihinin birkaç bölümünü günümüze getiren bir karanfil labirentiydi. Bu çalışma, 40 yılı aşkın bir süredir benzersiz pratiğini karakterize ediyor: 1970 yılında, Usscher, Claremont, California'daki Pomona College'daki sergi alanının tüm kapılarını kaldırarak, galerilere ışık, hava ve sesin girmesine izin verdi ve izleyicilerin dikkatini bunun nasıl olduğuna dikkat çekti. genellikle kapalı yerler - kelimenin tam anlamıyla ve mecazi olarak - dış dünyadan; 1991'de Paris'teki Pompidou Merkezi'nde yapılan bir gösterim için, müzenin kütüphanesinde "psikanaliz"de tutulan tüm kitapları, kitap ayraçları da dahil olmak üzere artık kağıt parçaları için aradı; 1999'da New York'taki Modern Sanat Müzesi'nin kuruluşundan bu yana varlığını yitirdiği neredeyse her sanat eserini listeleyen bir cilt çıkardı - gizli bilgiler nadiren kamuya açık hale getirildi.

20. A. K. Burns ve A. L. Steiner, Toplum Eylem Merkezi, 2010

«Public Action Center”, sanatçılar A. Burns (d. Capitola, CA, 1975) ve A. Steiner (d. Miami, 1967) ve onların arkadaş topluluklarının hayallerindeki 69 dakikalık erotik bir oyundur. cinsellik hem eğlenceli hem de politiktir. Boyalar, yumurta sarısı, araba yıkama ve mısır koçanı dahil olmak üzere nesiller boyunca çeşitli aktörlerin kişisel ve ortak zevklerin neşeli hedonistik eylemlerine giriştiklerini izliyoruz. Video, kabare yıldızı Justin Vivian Bond'un Jack Smith'in deneysel filmi Normal Love'dan dizeler okumasıyla başlasa da, bunun dışında çok az diyalog var. Bunun yerine, kiralanan ve ödünç alınan kameralarda belirsiz bir samimiyetle filme alınan rüya gibi görsellere ve bunların uyandırdığı içsel duygulara odaklanılır. Topluluk Eylem Merkezi, erkeklerin arzusuna veya tatminine atıfta bulunmayan nadir bir aldatmacadır, bu nedenle hem aktivist hem de sanatçı olan Steiner ve Burns'ün buna "sosyo-cinsel" demelerinin bir nedeni de bu. Bununla birlikte, duygusallık pahasına radikal politikaya ihtiyaç yoktur. Bölüm alay etmek içindir.

BT: Bu da çok önemli bir çalışmadır.

TLF: görmedim

KT: Esasen porno yapmak için bu projeye öncülük ettiler, ancak queer topluluklarından her türden insan için bundan çok daha fazlası. Şu anda kimin iş yaptığını bildiğimiz ve çok görünür olan o kadar çok sanatçıyı içeriyor ki, ama hepsi bedeninizi nasıl göstereceğinizi, cinselliğinizi nasıl göstereceğinizi, bedeninizi nasıl paylaşacağınızı, cinselliğinizi nasıl paylaşacağınızı, aydınlatın, yapın. ciddiyim, müzisyenlerle işbirliği yapın. Bu, konuşmayı başlatan anın çılgın belgesi.

Dan Wo (d. Vietnam, 1975) 1979'da Saygon'un düşmesinden sonra ailesiyle birlikte Danimarka'ya göç etti. Özgürlük Anıtı'nın tam boy pirinç bir kopyası olan Biz İnsanlar, şimdiye kadarki en iddialı eseri olabilir. Şanghay'da yapılan devasa figür, dünya çapındaki kamu ve özel koleksiyonlara dağılmış yaklaşık 250 örnekte bulunuyor. Asla bir araya getirilmeyecek veya bütünüyle sergilenmeyecektir. Parçalanmış haliyle, Waugh'un heykeli Batı dış politikasının ikiyüzlülüğüne ve çelişkilerine işaret ediyor. Fransa'dan Amerika Birleşik Devletleri'ne 1886'da adanan bir hediye olan orijinal anıt, her iki ulusun diğer ülkelerle uğraşırken göz ardı etmeye istekli olduğu değerler olan özgürlük ve demokrasinin bir kutlaması olarak müjdelendi. Adanma sırasında Fransa, Vietnam da dahil olmak üzere Afrika ve Asya'da koloniler düzenledi ve burada heykelin minyatür bir versiyonu Hanoi'deki Tháp Rùa (veya kaplumbağa kulesi) tapınağının çatısına kuruldu. Amerika Birleşik Devletleri daha sonra Vaud'un anavatanındaki Fransız ordusuna mali destek sağladı ve demokrasiyi komünizme karşı savunmak için savaştı. O zamana kadar, Özgürlük Anıtı, elbette, Amerika Birleşik Devletleri'ne gelen milyonlarca göçmeni ağırlamış ve Amerikan Rüyasının bir sembolü haline gelmişti. ABD-Meksika sınırındaki göçmenlere yönelik mevcut acımasız baskıdan bu yana, Waugh'un parçalanmış simgesi hiç bu kadar kasvetli olmamıştı. Özgürlük Heykeli, Amerika Birleşik Devletleri'ne milyonlarca göçmeni ağırladı ve Amerikan rüyasının bir sembolü haline geldi. ABD-Meksika sınırındaki göçmenlere yönelik mevcut acımasız baskıdan bu yana, Waugh'un parçalanmış simgesi hiç bu kadar kasvetli olmamıştı. Özgürlük Heykeli, Amerika Birleşik Devletleri'ne milyonlarca göçmeni ağırladı ve Amerikan rüyasının bir sembolü haline geldi. ABD-Meksika sınırındaki göçmenlere yönelik mevcut acımasız baskıdan bu yana, Waugh'un parçalanmış simgesi hiç bu kadar kasvetli olmamıştı.

D.B.: Bunu seçtim çünkü bir başyapıt fikrini tamamen ortadan kaldırıyor. Bu, birçok anlamı olan bir heykel, ancak tamamen dağıtılmış. Bölümler Çin'de yapıldı, değil mi?

RT: Evet.

D.B.: Yani fikir şu ki, Amerika Birleşik Devletleri ile eşanlamlı olan bu varlık şimdi geleceğin süper gücü olacak hale getirildi. Diğer geleceklerin nasıl olacağına işaret ediyor ve bizi "modernite"nin tam bir cehalet olduğu fikrine geri getiriyor. "Çağdaş"ın ne demek olduğunu bilmiyoruz ve sanırım bir bakıma bu eserler, başladığımız yerin bu cehalet olduğunu doğruluyor.

BT: V bu işte çok fazla şiddet ve öfke vardı. Öfke, sanatçıların şimdi yaptığı işin büyük bir parçası - herkes bunu hissediyor - özellikle yerinden edilmiş kişinin öfkesi. Bu fikir, ülke olarak tüm dünyada ne yaptığımızla ilgili.

1994'ten beri, 24 yaşındaki Kara Walker (d. Stockton, California, 1969). Plantasyon barbarlığını betimleyen kağıt enstalasyonlarla ilk kez izleyicileri etkileyen sanatçı, ülkenin uzun süredir devam eden ırksal şiddet tarihinden bahsetti. 2014 yılında Walker, beyaz şekerle kaplanmış anıtsal bir polistiren sfenks olan Subtlety'yi yarattı. Parça, Brooklyn'deki Domino Sugar Mill'in devasa salonuna hakim oldu, değirmenin çoğu kat mülkiyeti için yıkılmadan kısa bir süre önce. Walker, beyaz köle sahiplerinin siyah kağıt silüetlerinin aksine, devasa beyaz heykele, başörtülü klişe siyah bir "anne"nin özelliklerini, pekmez markalarının ürünlerini satmak için kullandıkları görüntüleri verdi. Walker's Sphinx ayrıca eski Mısır'da zorunlu çalışmaya neden olur. "Kendi hayatımda, dünyayı dolaşırken, geçmişle bugünü ayırt etmekte zorlanıyorum" dedi. "Her şey bir anda aklıma geliyor."

BAY: "İncelik" birçok insanı kızdırdı çünkü soylulaştırılmak üzere olan bir yerde emeğin ve şekerin tarihiyle ilgiliydi. Dev, anne benzeri, sfenks, dişi bir nesneydi ve sonra tüm bu küçük eriyen bebeklere sahipti. "İncelik", Arap dünyasında başlayan ve şekerden olduğu kadar kilden de nesnelerin yaratılmasıyla ilgili çok uzun bir geleneğin parçasıdır. Yani madenciliğin maliyetini etkiler, ama aynı zamanda köle emeğini de etkiler. Ve buAyrıcaücretli köleliğin olduğu yerde - şeker işi en kötüsüydü. Domino Şeker Fabrikası bir zamanlar Havemeyers'e aitti ve Henry Havemeyer, Metropolitan Sanat Müzesi'nin ana sponsorlarından biriydi. Şekerin kralı sanatın kralıydı. Yani tüm bunlara sahipti - ve tüm bu insanların onun önünde selfie çektiğine dair bir fikir var. Tek kelime etmeden son derece parlaktı.

TLF: Martha, oyunun kurallarını değiştiren bir başyapıt fikrine karşı olduğunu söyleyen bir e-posta gönderdin. Kayda almamız gerektiğini düşündüm.

BAY: Modern çağda tek başına çalışmaktan bahsetmenin anlamsız olduğunu söylemekten mutluyum, çünkü iş bir kez fark edildiğinde, herkes o kişinin daha önce ne yaptığını veya yanında kimin olduğunu fark eder. Sanat tek başına yapılmaz. Bu beni "dahi"ye getiriyor: başyapıt ve deha bir arada.Bu, kadın sanatçıların ilk saldırılarından biriydi. Mike Kelly'nin çalışmalarına ne kadar saygı duysak da, yaptığı her şeyin Los Angeles'taki feministlerin daha önce yaptıklarına bağlı olduğunu söylerdi. Umutsuzluk, acı ve hakaretlerin sanatta dikkat edilmesi gereken şeyler olduğunu kastettiğini düşünüyorum. Ve o noktada belki de Paul McCarthy dışında kimsenin yapmayacağı bir şeydi. Bir başyapıt fikri çok indirgeyicidir.

BT: Bu, bunu sorgulamanın bir sorumluluğu olduğuna dair iyi bir soruyu gündeme getiriyor. Böyle mi olacak?

TT: Hayır, ancak "modern çağı tanımlayan" bir eseri listelemek, mutlaka bir başyapıt olması gerektiği anlamına gelmez.

BAY: Peki olabilirkötü başyapıt. Dana Schutz [Emmett Till'in tabutunda linç edilmiş, parçalanmış vücudunun bir fotoğrafına dayanan tartışmalı bir 2016 çalışmasının yazarı] diyebilirsiniz. Ancak mülkiyet sorunları, Sherry Levine ve Walker Evans'ın çalışmalarına geri dönüyor. Resmin mülkiyeti nedir? Fotoğraf reprodüksiyonu nedir? 80'lerin kültür savaşları, ister Christ Pis ister Robert Mapplethorpe olsun, hepsi fotoğrafa bağlıydı ve biz hala bunlarla mücadele ediyoruz. Onlar hakkında konuşmak istemiyoruz. Burada Mapplethorpe adında kimse yok - ilginç.

BT: Bunun hakkında düşündüm.

BAY: Sanat dünyasında fotoğrafçılıktan gerçekten nefret ettiğimiz için kimse William Eggleston'dan bahsetmedi. Susan Meiselas adında kimse yok. Fotoğrafın her zaman başka bir şey olmasını istiyoruz, yani sanat, aslında Cindy Sherman'ın "İsimsiz Film Çekimleri" hakkında söylediğiniz şey bu. Tam olarak bir fotoğraf olmadığını biliyoruz. Sanat, "Evet, ama kimlik, oluşum ya da tanınma için gerçekten önemliydi" demedikçe, nasıl olup da odadan bir fotoğraf atmaya hazır olduğunu hep merak etmişimdir. Her zaman tematik. Asla resmi değil.

Doğum, Çocuk'un konusu, Hyeji Shin'in (d. Seul, Güney Kore, 1976) taç giyme töreninden sonraki anları yakalayan yedi fotoğrafı. Shin, inkar edilemez derecede kanlı sahnelerin bazılarını kavurucu bir kırmızı ışıkla aydınlatıyor. Diğer resimler zar zor aydınlatılıyor ve neredeyse doğmak üzere olanların buruşuk yüzleri tehditkar siyah gölgelerden çıkıyor. Bu fotoğraflar bize ortak insanlığımızı hatırlatsa da, pek duygusal veya kutlama niteliğinde değiller - bazıları düpedüz korkutucu. Bu karmaşıklık, Sheen'in pratiğinin kalbinde, Beefcake polisi gibi giyinmiş yontulmuş erkeklerin pornografik fotoğraflarından, rapçinin Donald Trump'la ateşli konuşmasından kısa bir süre sonra çıkış yapan Kanye West'in devasa portrelerine kadar var. (2019 Whitney Bienali'nde Kanye'nin iki portresi ve beş Bebek yer aldı.) Siyasi sanatın her yerde olduğu bir zamanda, genç sanatçıların tahmin edilebileceği gibi solak izleyicilere tam olarak duymak istediklerini söylediğinde, Sheen üstün. Fotoğrafları hiçbir soruya cevap vermiyor. Bunun yerine, izleyicilerinden çok şey istiyorlar.

TT: "Bebek" fotoğraflarına takıntılıydım. Yani, ben kendim istedim. Ama sonra partnerim "Peki, ne..." dedi, "Hamilelik gördüm, ne fark eder?"

BT: "Bir çocuk bunu yapabilir mi?"

TT: Ya da gerçekten değil ama: Ben estetik olarak anlıyorum ve fotoğrafla ilgileniyorum ama ne diyor ve ne yapıyor?

BT: Kimse bu işe bakmak istemiyor. Kimse bu eylemi izlemek istemiyor. Kimse annelik hakkında konuşmak istemiyor. Kimse kadınlara böyle bakmak istemez. Kimse böyle bir vajina görmek istemez. Hiç kimse böyle görünen birini görmek istemez. Bence bu işte ham, iğrenç ve çok cesur bir şey var.

24. Cameron Rowland, New York Eyaleti Birleşik Mahkeme Sistemi, 2016

Cameron Rowland (d. Philadelphia, 1988), New York merkezli, kâr amacı gütmeyen Artists Space'deki "91020000" adlı 2016 yılında çok tartışılan bir sergide, mahkûmlar tarafından yapılan ve genellikle saatte bir dolardan daha az ücrete çalışan mobilya ve diğer eşyaları sergiledi. yanı sıra büyük ölçüde kitle hapsi mekaniği üzerine Dipnot araştırması. New York Eyaleti Düzeltme Departmanı, bu ürünleri Corcraft markası altında devlet kurumlarına ve kar amacı gütmeyen kuruluşlara satmaktadır. Artists Space, Rowland'ın satmak yerine koleksiyonerlere ve müzelere kiraladığı sergide yer alan banklar, rögar kapakları, itfaiyeci üniformaları, metal çubuklar ve diğer eşyaları satın alma hakkına sahipti. Yedek yerleştirme, minimalist heykeltıraş Donald Judd'ı hatırlatırken, Rowland'ın kavramsallaştırmaya politik olarak motive edilmiş yaklaşımı ve ırksal adaletsizliğe vurgu, Cara Walker ve Amerikalı aydınlatma ve metin sanatçısı Glenn Lygon ile karşılaştırmalar topladı. New Yorker, Rowland'ın sanatsal soyunu "Duchamp, via Angela Davis"e kadar takip etti.

TT: iş Cameron Rowland, sanat olarak kabul edilen şeyin sınırında daha ileride. Hapishane eşyalarını satın almak için bir katalog başvurusunda bulunuyorsunuz. İşin çoğunu o yapıyor, nasıl olduğunu bile anlamıyorum. Hala bir sürü sorum var ve biz arkadaşız. Aynı zamanda gerçekten ilginç ve kafa karıştırıcı bulduğum yeni yan bilgilerin çözülmesi.

25. Arthur Jafa, “Aşk bir mesajdır, bir mesaj ölümdür”, 2016

Acı çekme görüntülerinden banyo özçekimlerine kadar çok sayıda görüntünün empatiyi dışlamakla tehdit ettiği bir zamanda, Arthur Jafa'nın yedi buçuk dakikalık videosu, “Aşk bir mesajdır, bir mesaj ölümdür”. kayıtsızlığa karşı derin bir panzehir. Jafa (d. Tupelo, Ms., 1960) klipler, TV şovları, müzik videoları ve kişisel görüntüler aracılığıyla Amerika'daki siyahi yaşamın zaferlerini ve dehşetlerini anlatıyor. Rahip Martin Luther King Jr. ve Miles Davis'i görüyoruz; Touchdown'ı kazanmak için yarışan Cam Newton, Texas polisi genç kızı yere çarpıyor; Barack Obama, beyaz bir üstünlükçü tarafından dokuz kişinin öldürüldüğü bir Charleston kilisesinde "Amazing Grace" şarkısını söylüyor; ve Jafa'nın kızı düğün gününde. Film, ilk uzun metrajlı filmini Gavin Brown'ın Harlem tesisinde, Donald Trump'ın Kasım 2016 başkanlık seçimlerini kazanmasından birkaç gün sonra yaptı. Jafa yüklü görünüm, Kanye West'in müjde ilahisi "Süper Işık Işını"ndan esinlenmiştir.

TLF: Jafa kelimesini kullanabilirsem, bir bakıma bana daha popüler görünüyor. Başka dünyalara geçer.

TT: David Hammons'a geri dönüyor çünkü – Kanye tarafından yapılan [Adidas Yeezy] spor ayakkabılarımı attım. [West, Ekim 2018'de Beyaz Saray'ı ziyaret ettiğinde, Başkan Trump'a sözlü desteğini sunarak ve Make America Great Again beyzbol şapkası takarak birçok hayranını kendinden uzaklaştırdı.]

BT: O zaman bu çalışmayı nasıl haklı çıkarıyorsunuz? Hala Arthur Jafa'yı listeye koyuyorsun ve benim gerçekten ilgilendiğim şey bu.

TT: çünkü değilbenim liste. "Bu modern" diye düşündüm. Ve bence iyi bir sanat eseri sorunlu olabilir. Sanat, bir sorunu aşabilecek veya karmaşıklaştırabilecek birkaç şeyden biridir. Love is the Message hala çok iyi bir sanat eseri olabilir ve Arthur Jafa'nın buna yaklaşımına katılmıyorum. Başka kimse yapmadı. Tarihte başka hiç kimse böyle bir video oluşturmadı. Biraz geriye hareket etseler bile, işleri hala ileriye taşır.

D.B.: Artur Jafa'nın bir dizi kolaj ve fotomontaj sanatçısından çıktığını düşünüyorum - burada oturan Marta Rosler'den Rus avangardının ilk sanatçılarına kadar - bu fikri kabul etmek ya da tek bir kişiye bağlı kalmak zorunda değilsiniz. bakış açısı. Her görüntü veya müzik parçası tek başına hiçbir şey ifade etmez; anlamın bir araya geldiği yan yanadır.Bu oyunun ilginç yanı, ne kadar baştan çıkarıcı olabileceği ve bir bakıma, bazı görüntülerin acımasızlığı nedeniyle bu baştan çıkarıcı kaliteye direnmemizi sağlamasıdır.